TrajeremieBlog carnet de route de réflexions personnelles

“C’est ici que la pièce commence”Classé dans : Artistique

Je suis allé à Nanterre hier en fin d’après-midi, voir un spectacle mis en scène par Philippe Guérin, de la compagnie “Théâtre au bout du monde“. Dans le cadre du festival “la semaine du 32 mai”, un chapiteau a été installé sur la place des Mugets de Nanterre, au coeur d’un “quartier populaire”, comme il est de coutume de dire. Ce spectacle fait suite à des ateliers animés par Philippe Guérin avec des personnes en parcours de réinsertion, action menée conjointement avec ATD quart-monde. Je vous livre ici une réaction à chaud qui peut paraître un peu froide pour ceux qui ont travaillé à tout ce processus. Il ne s’agit pas pour moi de dénigrer tout ce travail que j’admire beaucoup mais d’en soulever la complexité et de montrer le décalage qui peut se manifester entre les intentions et les impressions du spectateur d’un soir que j’étais hier.

Pour dire les choses comme elles me viennent, c’était très chaotique. Je serai donc assez critique parce que dans le fond, je crois beaucoup à ce type de projets mais je sais aussi que ça ne s’improvise pas, que ça nécessite un véritable travail en amont de coordination avec les structures du quartier notamment et de “préparation” du public qui n’est pas aussi docile (et heureusement !) que celui des scène nationales.
Le chapiteau était implanté au pied d’un quartier de Nanterre, l’ambiance était festive pour tous les enfants qui étaient là mais je pense que le lieu et le public présent (non averti semble-t-il) n’était pas compatible avec le “spectacle” présenté. En gros, les enfants ont vu un chapiteau donc ils s’attendaient à voir du cirque, les parents étaient quasi-totalement absents d’où une euphorie un peu incontrôlable. Le “spectacle” jouait sur un ton improvisé, une émission de radio simulant des interventions diverses (des acteurs d’ATD quart-monde qu’on ne comprenait que très difficilement vu le brouhaha et l’acoustique, des comédiens professionnels jouant sur les clichés “intermittents en colère” ou “intellectuels dans leur sphère”). En clair, il n’y avait aucune frontière, le chapiteau était ouvert à tous, les allers-retours étaient complètement tolérés pendant le spectacle (bonne idée si on se donne les moyens de faire entendre ce qui se joue sur scène !). Cela a donné lieu dans un premier temps à une évacuation complète de la salle (car on n’entendait vraiment rien de ce qui se disait). Ils ont ensuite fait rentrer d’abord les adultes (en minorité) qui se sont répartis sur l’espace des bancs puis les enfants (préados surtout), l’idée étant que les adultes devaient canaliser les enfants assis à côté d’eux. Cela a fonctionné les deux première minutes mais le spectacle n’étant pas très attrayant (certaines personnes d’ATD, malgré toute leur bonne volonté avaient du mal à articuler pour se faire comprendre, surtout dans un micro qui ne surlignait que peu les aigus), les enfants ont repris le pouvoir et chaque adulte a pu tester sa force de persuasion pour calmer ses jeunes voisins, d’autant plus motivés à se répandre en moqueries qu’ils avaient des figures d’autorité à faire craquer ! Tout ceci jusqu’à une forme de paroxysme où une animatrice du quartier a menacé un par un les enfants d’appeler leur mère s’ils ne sortaient pas de la salle, ce qu’ils ont fait assez rapidement… A partir de ce moment (moitié du spectacle), j’ai commencé à entendre ce qui se disait : courts témoignages par les acteurs d’ATD (jouant des travailleurs divers : une fleuriste, un syndicaliste, une chanteuse, un responsable de rayon dans une grande surface) racontant des histoires de tiers assez proches des leurs mais prononcés à la 3ème personne, glissement sur un défi introduit par un metteur en scène affirmant que ces personnes pouvaient faire du théâtre et leur proposant de dire quelques tirades du Roi Lear alors même que l’animateur radio affirmait que c’était impossible. Défi relevé tant bien que mal, applaudi, et tentative d’imaginer collectivement un spectacle, chacun y allant de son idée et le petit gamin à côté de moi ravi d’avoir trouvé le pont neuf quand la question fut posée de savoir sur quel pont pourrait se dérouler l’histoire… Mais le temps semblait manquer et le spectacle s’est arrêté là.

Voilà un peu mes impressions sur le spectacle en lui-même, assez décevant je dois dire, même si je comprend la démarche et que j’ai de l’admiration pour le travail mené. Plusieurs réflexions me viennent suite à ça.

Le chapiteau est-il réellement un lieu qui casse les murs pour tous ?

Les enfants étaient là mais aucun adulte ou presque. J’ai vu l’appréhension d’une mère de famille poussant un landau à l’entrée qui passait par là, ne sachant pas ce qui se passait, si c’était payant, on lui a dit que c’était gratuit et qu’elle pouvait entrer mais elle est repartie, pourquoi ?

D’où vient le fait que l’on n’ait pas entendu le spectacle ?

Est-ce un problème technique ?

Faut-il incriminer les enfants qui ont manqué de respect comme on l’a fait en finissant par les faire sortir, alors même que le chapiteau s’est posé sur leur terrain quotidien de jeu ?

Faut-il incriminer la qualité artistique qui n’a pas su imposer une écoute ? L’absence d’élément visuel notamment n’a t-il pas fait défaut ?

Faut-il incriminer le manque d’encadrement du public ? (ne faut-il pas poser quelques règles du type “on n’entre plus quand le spectacle est commencé, on ne passe pas devant la scène sans se baisser, on éteint les portables… jusqu’où fixer des règles et comment les fixer pour ne pas reproduire les murs des scènes conventionnelles)

Ne faut-il pas incriminer l’absence d’inter-générationnel dans le public qui aurait certainement calmé les esprits mais peut-être aussi exclu les préados et les ados ?

Faut-il présenter à un public peu averti le résultat d’ateliers avec des personnes en insertion ?

Que cherche t-on dans ce type de présentations ? Une étape de plus dans le recouvrement d’une image positive de soi pour les personnes en insertion, par la reconnaissance du public ? Une prise d’assurance à travers la prise de risque face au public ?

Mais comment se pose t-on la question du côté du public ? Cherche t-on a montrer que chacun, même (et surtout ?) le plus fragile d’entre nous, est capable de s’affirmer sous un autre jour, dans un autre registre ? Il y aurait ainsi une forme d’identification qui permettrait à chaque personne de se projeter sur scène, de se dire que c’est possible pour elle aussi ? Ou bien cherche t-on à provoquer une émotion chez le spectateur qui aurait pour vecteur l’empathie par rapport à la situation de la personne qui se transforme sous nos yeux ?

Comment accompagner au mieux ce type d’événement ?

Un animateur en stage à l’INJEP qui est venu voir le spectacle a fait un constat proche du mien. Il faut absolument, pour ce type d’événements, travailler avec les acteurs du quartier. Les médiateurs, les animateurs évidemment mais aussi les personnes qui fabriquent le lien social au quotidien, les commerçants, les adultes référents, les ados. Et plus la démarche est participative, plus il y aura un respect du travail présenté, selon moi. Je me souviens avoir monté un chapiteau tous les soirs pour des spectacles de conte lors d’une expérience où nous investissions le coeur des cités de Seine St-Denis pour présenter des spectacles le soir, les ados que nous mettions à contribution pour nous aider l’après-midi (en faisant attention aux règles de sécurité !) se sentaient investis d’un rôle ensuite et calmaient les esprits agités lors du spectacle. Il faut sans doute aussi expliquer quelques règles de fonctionnement, en jouant sur la concentration nécessaire des acteurs etc. Et, clé de tout à mon avis, il faut que le public soit inter-générationnel avec des personnes du quartier. Il n’est pas facile de faire venir les parents au spectacle mais cela est faisable, pour reprendre ce refrain participatif, en leur demandant un coup de main, pour proposer un repas par exemple.

Tags : chapiteau, insertion, quartiers populaires, Théâtre

HamletClassé dans : Artistique

Cet espace est peut-être aussi celui des expériences artistiques qui nous construisent et nous amènent à nous positionner dans ce champ artistique et culturel sans limites.

La Ménagerie de Verre accueillait hier soir, dans le cadre du festival « Etrange Cargo», le spectacle “Hamlet”, mis en scène par Yves-Noël Genod.
Amené par une amie comédienne dont j’avais vu un travail la semaine précédente, j’y suis allé comme on rentre dans une (en)quête, sûr que l’on suit une piste intéressante mais sûr aussi qu’elle peut s’avérer infructueuse ou décevante.

Un théâtre familier donc, puisque je l’avais déjà fréquenté une fois ! Quelques personnes connues. Une branchitude de l’assemblée de spectateur/buveurs/acteurs du hall d’entrée. Rentrée dans la salle. Possibilité de laisser ses affaires derrière la scène car salle de 70 places bondée et donc serrée : l’art de faire confiance par nécessité !
Le noir…
Des néons s’allument au fond de ce parking réaffecté. Au sol, un os, une épée et un objet métallique non identifié.
Un acteur contre un mur. Lentement…très lentement, une créature entre, homme habillé en femme ? En travelot à paillette usé(e) par la vie ?
Puis une jeune femme contemporaine, prenant l’épée lentement… très lentement, et déclamant du Hamlet imagine t-on, sur un ton peu imagé.
Puis un grave accent russe.
Puis un homme nu… Ah… La question du “pourquoi” arrive chez moi.
C’est donc CONTEMPORAIN. Une extrême lenteur,du nu, des acteurs qui n’interagissent jamais, en dehors d’un espace commun qu’ils habitent, connaissent et donnent en creux au public.
Un quart d’heure, une demi-heure, du russe, du cowboy moderne, un homme des cavernes.
Trois quart d’heure, une heure et demi, une heure trois quart. Deux trois performances solos, ou improvisations débarquées d’endroits personnels et qui ne forcent des gloussements forcés que chez les initiés, ou les amitiés.
Une heure et quart, une heure et demi, deux heures, l’animation du plateau s’accompagne maintenant de paroles et de cris, de danse et de bouts de vies.
Bref, spectacle fini. Applaudi poliment.
Qu’en penser ?
A part le danseur à un moment, je me suis vraiment fait chier.
Etait-ce la volonté du metteur en scène ?
Avait-il une volonté ?
On a forcément une volonté quand on monte un spectacle.
Peut-être avait-il la volonté de provoquer le public, de le repousser dans le retranchement de ses sensations face à un univers dont il ne contrôle pas le mouvement. Un univers imposé qui doit être composé ou recomposé par chacun. Comme un film de Lynch sauf que là jamais il n’accroche le spectateur.

Pourquoi consacrer près d’une page à ce mauvais spectacle me direz-vous ?
Parce que je crois qu’il m’a profondément exaspéré et qu’il est révélateur de certaines choses qui me gênent dans ce milieu du théâtre/performance.
J’ai beaucoup de respect pour l’acte de création et je ne crois pas être un gardien de la morale ou un de ces censeurs d’objets non identifiés, bien au contraire. Mais je dois dire que cette soirée m’a posé des questions quant aux limites de ce travail de création.
Que peut-on trouver dans un tel « spectacle » que j’ai perçu comme dénué à la fois de chair émotionnelle et de sens ? Quelle est la légitimité d’un tel acte qui pioche dans des dispositifs sociaux (le spectacle payant assignant au spectateur un rôle passif) sans rien proposer d’autre qu’un empilement de clichés instantanés des parcours de chacun des acteurs ? Y a t-il un propos ? (il ne semble pas) Y a t-il un désir de partager, de provoquer, de susciter, oserais-je dire d’émouvoir ? (il ne semble pas)
À dire vrai, j’aurais aimé que cette représentation s’affiche comme une provocation du type : jusqu’où le public est-il prêt à suivre un mouvement informe ? Jusqu’où va la docilité du spectateur prisonnier d’un dispositif scène/salle, acteurs livrant leurs extravagances/consommateurs bloqués dans leur mutisme de rigueur ou d’habitude ?
Mais les seuls spectateurs/destinataires de ce chantier semblaient être les protagonistes (metteur en scène et acteurs) du projet. Sans doute la recherche était elle intéressante, apprenante mais en quoi le public convoqué un soir et n’ouvrant les yeux sur ce travail qu’entre l’allumage du néon du fond et les applaudissements finaux peut-il percevoir ce processus de travail ?
Pour me plier à l’exercice de la conclusion, je dirais que ce genre de travail ne mérite pas d’être montré de la sorte, dans le cadre d’une représentation. Peut-être aurait-on gagné à suivre le processus, les prises de risques, les métamorphoses des comédiens. Mais cet instantané de deux heures ne donnait pas d’éléments pour percevoir cet amont et ressemblait fort à un de ces clichés du théâtre contemporain centré sur lui-même qui font le chou gras des détracteurs du théâtre subventionné.

Tags : contemporain, représentation, spectacle, Théâtre